[미술평론] 무한대로 향하는 1+1

<M&M's> 이해강 Haekang Lee

서로 다른 것이 어우러지거나 하나가 되는 과정에는 많은 외부 요인들이 개입된다. 하나이되 각자의 존재감을 유지할 수 있도록 한다. 원래의 것은 변형되고 전혀 다른 무엇으로 보일 수는 있지만 흔적은 남겨진다. 그래서 어떤 부분의 존재감을 남길 것이냐의 문제에 봉착하게 되면 끊임없는 선택을 해야 한다. 형태와 색, 그리고 선의 어디를 남길 것인지, 또는 제거할 것인지, 겹칠 것인지, 분리할 것인지 등등. 이해강은 두 개의 개체, 즉 ‘듀오’를 하나의 표면 위로 혼합하는 과정을 드러내기 위하여 애니메이션 제작에서의 모핑(mopping) 기법을 캔버스 화면 위에서 응용해왔다. 거리에서 그래피티 활동을 해 왔던 작가는 자연스럽게 몸에 배어있는 스프레이 페인팅 기법을 활용한다.

이 전시에서 작가는 그에게 가장 익숙했던 스프레이 페인팅과 문자의 이미지화 및 변형 등의 스타일을 기반으로 하며 독자적인 회화 형식을 만들어 가기 위한 다양한 시도를 했다. 본명을 숨기고 활동해야 하는 그래피티 활동 영역에서 그의 활동명은 꽤 알려져 있다. 그래피티는 일종의 영역 확장의 행위이다. 자신의 표식을 남기기 위한 이미지를 공공기물에 남김으로써 존재감을 확장하는 반달리즘(vandalism)을 행한다. 그래서 그 이미지에는 그리는 이의 정체성을 드러내는 기호 이외에는 서사나 의미를 담지 않는다. 이에 이해강은 늘 아쉬웠고, 자신의 이미지에 이야기들을 담아내고자 회화를 선택하기에 이르렀다. 회화를 시작하는 순간 숨겨왔어야 했던 자신의 이름을 드러냈고, 이미지를 통하여 자신의 이야기를 시작했다. 그리고 그래피티 활동을 그만두었다. 하지만 이해강 작가가 디자인의 문법을 더욱 털어버리기 위하여 선택한 이번 전시에서의 그리기 방법은 많은 부분 그래피티로부터 차용한다. 그것은 작가도 인정했듯 그래피티 영역 활동가들과 전통 회화 작가들에 대한 존중을 드러내는 그의 방식이기도 하다.

작가는 2018년 ‘어쩌다 갤러리2’에서의 첫 개인전을 시작으로 본격적인 회화작가로서의 방법론과 태도를 보여주었다. 두 명 혹은 두 개의 개체가 하나로 만들어지는 과정을 드러내는 애니메이션에서 보여졌듯 그의 첫 개인전에서도 두 개의 단위가 변모하는 과정에서 생성되는 이미지를 끄집어내어 화면에 그렸다.

2019년 개인전이 열린 갤러리2에서는 12개의 띠에 해당하는 동물 간 변화를 보여주는 총 33점의 그림이 한 벽면에 설치되었다. 2018년 처음으로 캔버스 화면위로 시도해보는 유화가 어우러지는 방법은 각 개체의 형평성을 유지하는 데 집중되어 있었다. 조심스럽게 형태를 조합하는 과정은 1+1=2가 되는 공식에 충실한 듯 보였으며, 이로 인하여 두 개의 개체가 각자의 모습을 상호 동등하게 삭제와 변형을 주고받았다.

이처럼 이해강은 ‘경계’ 개념에 성실한 도상을 드러냈고, 이는 애니메이션 속 어느 한 장면을 캡쳐한 듯 선명한 선과 색으로 구성된 화면을 만들어냈다. 화면 속 인물의 움직임을 포착하고 계산에 의해 면의 구성을 배분한 화면은 이해강 작가의 전공이 ‘디지털 미디어 디자인’이었음을 상기시킨다.

이해강은 특유의 캐릭터 이미지와 드로잉 스타일로 애니메이션 및 일러스트를 제작, 음악, 상품 디자인 등 타 장르 아티스트들과의 협업을 통하여 대중들에게 선보이기도 하였다.

스페이스 윌링앤딜링에서의 2021년 11월 17일부터 12월 5일까지 열린 이해강 작가의 개인전제목은 <M&M's>이다. 그가 추구하는 화면 구성은 두 종류의 캐릭터를 하나로 결합하는 과정이기도 한데, 특히 이번 전시의 제목에서도 그 의도를 담고 있다. 전시 제목이자 초콜릿 이름인 m&m's 봉지 속에는 하나의 맛이지만 다양한 색채를 띤 초콜릿들로 채워져 있다. 좋아하는 맛이 있을까 싶어 처음에는 색상별로 하나씩 먹어보지만 이내 모두 같은 맛이라 결국은 좋아하는 색상을 찾아보게 된다. 대중적으로 널리 알려진 이 과자의 이름이 전시의 제목으로 사용됨으로써 다수의 개체가 하나로 수렴되는 이미지의 변모 과정과 그 결과에 대해 상징적으로 은유한다. 이는 이해강이 그간 작업해 온 다양한 장르와 영역이 캔버스 위에서 하나로 읽히는 이미지로 구현된다는 점, 스페이스 윌링앤딜링이라는 공간의 성격처럼 어떤 것이든 가능한 플랫폼이 만들어진다는 점과도 상통하고 있다.

이해강 작가가 회화를 통하여 진행하는 두 개의 개체가 하나의 다른 이미지로 만들어지는 과정의 시작은 각 개체의 이름 이니셜을 그리는 데서 시작하면서 점차 즉흥적 제스처를 만들어낸다. 캔버스 표면 위로 뿌리는 스프레이와 유화 물감 등은 서로 섞이거나 겹쳐지면서 즉각적인 현장성을 드러낸다. 캔버스 표면의 색상들은 다양한 색과 선의 과감한 중첩으로 붓의 움직임의 흔적과 밀도감을 만들어내고 있다. 꿈틀거리는 움직임의 거대한 덩어리가 흘러가듯 캔버스들로부터 발산되는 에너지를 만들어내며 스페이스 윌링앤딜링의 내부를 가득 채운다.

작가의 이전 개인전은 하나의 개체로부터 다른 개체로 변모하는 과정에 방점을 두는 경향이 있었다. 경계를 무너뜨림으로써 만들어지는 혼종의 모습을 그려내곤 하였던 것이다. 이는 애니메이션으로 구현되기도 했다. 그래서 애니메이션으로 보여주는 단계별 변화의 이미지가 그의 소재로 선택되었음은 당연해 보인다.

2021년도 개인전을 준비하기 위하여 이해강은 보다 회화에 대한 법칙을 탐구하고자 했다. 전시 준비를 하면서 작가는 주변 작가들이나 나에게 회화에 어떤 룰이 있을지, 무엇이 이미지를 회화답게 만드는지 등을 묻곤 하였는데, 이는 그가 애니메이이나 그래피티를 만들어내는데 있어서 적용되는 일종의 룰을 인식하고 있었기 때문이라 보인다. 그리고 무작정 붓과 물감(재료)을 체화하면서 그만의 회화의 룰을 찾아내고자 하는 듯했다.

이번 전시에서 소재가 된 ‘듀오’들은 잘 알려진 인물 혹은 애니메이션의 캐릭터들이다. 하지만 작가는 이들을 직접 드러내기보다는 그들의 이니셜만을 제목으로 사용함으로써 그 존재보다는 듀오가 만들어내는 또 다른 존재 혹은 효과를 보여준다. 애당초 이해강이 추구하는 듀오는 1+1이 2가 되는 공식이 적용되지 않는다. 그것은 무한대의 시너지로 구현될 수 있는 결과물을 기대할 수 있는 잠재적인 단위이이며 2보다 훨씬 많은 무한대의 결과물을 생산, 예측 가능했던 능력을 뛰어넘기도 한다.

서로 다른 두 개체가 하나의 이미지가 되려면 서로의 경계를 침범하되 각자의 영역을 해하면 안되고, 각 개체의 존재감을 드러내기 위해 서로를 보완해야 한다. 모든 과정은 모순과 충돌이 반복되면서 만들어질 수 밖에 없다. 충돌되는 지점은 조심스럽다. 그것이 힘을 만들어낼지, 시각적 아름다움을 생성해 낼지, 또는 의미 없는 파열로 마무리 될지에 대해서는 우연의 효과도 크기 때문이다.

2021년도의 개인전 <M&M's>에서도 그러했듯 이해강의 그림에서는 늘 회화에 대한 고민과 연구를 지속하며 독창적 회화 문법을 찾아내고자 시도하는 과정을 즐길 수 있을 것이다. 이번 전시를 계기로 이해강의 회화가 어느덧 경계를 의식하지 않고 예기치 않은 효과가 낳은 결과물이 무한대의 가능성을 만들어낼 수 있는 회화를 즐길 수 있기를 기대해 본다.

글. 김인선 (스페이스 윌링앤딜링 대표)

<편집자 주 : 본 미술 평론은 독자들의 작품 이해도를 높이고 미술 정보 전달을 위한 비상업적인 목적입니다. 저작권은 평론가에게 있습니다.>